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Obras Geométricas de Ricardo Laham.

La Galería Jacques Martínez presenta una muestra del artista Ricardo Laham, cuyo mentor fue Emilio Pettoruti, en la que puede verse su importante trabajo desarrollado en Argentina.
La exposición recorre el período durante el cual Laham trabajó dentro de los postulados de la abstracción geométrica, que se extiende entre fines de la década del sesenta y mediados de los ochenta. Su trabajo conforma una de las obras geométricas más importantes desarrolladas en Argentina.
Volvemos a presentar en nuestra sala, una muestra de Ricardo Laham después de transcurridos más de 30 años desde que realizamos la última exposición de sus obras. La primera fue en la Galería Carmen Waugh en 1977, bajo la dirección de Jacques, y la más reciente en la Galería Jacques Martínez en 1979.
Exhibiremos una selección de obras que van desde el año 1968 hasta el año 1984, período durante el cual Laham trabajó dentro de los postulados de la abstracción geométrica.
A mediados de los ´80, abandonó casi por completo esa corriente, siendo tal vez ese el motivo por el cual en la actualidad estas obras son poco conocidas para el gran público -en especial para el incorporado en los años más recientes- pese a haberse constituido en piezas muy importantes dentro del panorama de la abstracción en nuestro país. Por su realización, Laham obtuvo un aprecio tal que le valió la obtención consagratoria del premio Braque (1968), el premio De Ridder (Museo Nacional de Bellas Artes) con posterioridad, más dos premios en el Salón Nacional de Artes Visuales.
Como mucho de lo que ocurrió en los ´70, cuando habían cerrado el Di Tella, el CAYC, el MAM, y con las políticas de censura que corrían en esos tiempos, no solo los artistas quedaron un poco huérfanos de inspiración sino que tampoco hubo difusión adecuada; y han quedado pocos registros documentales de lo que hacían los artistas que siguieron trabajando. Hay un agujero enorme inclusive en las colecciones, que saltan de una muy buena representación de los años ´60, directamente a los ´80 y ´90.
Laham es un artista que alterna etapas de exhibición y participación con largos períodos de reclusión creadora en su taller. A muy temprana edad, el maestro Emilio Pettoruti advirtió las virtudes de su temperamento y su incipiente talento, decidiendo alentar esa vocación. Lo guió en el arte pictórico a través de correspondencia y conversaciones, convirtiéndose en su mentor y amigo.



Al preguntarle a Laham cuál sería el título de esta muestra, él respondió sin dudarlo, “Pintura Pintura”. Sólo fue días después, al releer el libro llamado “Pintura Pintura siete valores argentinos en el arte actual”, de Rafael Squirru (1975) que entendimos el significado que tiene para Laham este título. En el libro, Squirru escribe un prólogo en el que resalta el valor de la pintura y las dificultades que enfrentaban los artistas de la época, y elige a los que a su criterio, se destacaban en ese momento en el arte emergente en la Argentina. Uno de ellos es Ricardo Laham. A él le dedica uno de los breves capítulos, donde escribe: ”Internarse en el arte de Laham es de por sí un ejercicio de ascética“, “desde su primerísimo apunte asoma la calidad de lo permanente. Avanza con lentitud pero no hemos visto un solo boceto que nos pareciese prescindible”, “ sentí el impulso de abrazarlo a Laham como el de quien se encuentra frente a un laborioso investigador que ha dado finalmente con la añorada fórmula…”
En 1977, en la revista Pájaro de Fuego, César Bandin Ron dijo en “Ejercicios de relación”, una nota dedicada a la muestra de Laham en la Galería Carmen Waugh: “No son pocos los que creen –y se me puede contar entre ellos– que el trabajo de Ricardo Laham conforma una de las más importantes obras geométricas desarrolladas en nuestro país. Y es por eso que adquiere una especial trascendencia esta nueva exposición de su pintura, la que se convertirá, sin duda, en una importante experiencia para el público”.
Durante agosto y septiembre del 2009, el Museo Nacional de Bellas Artes, en su sede de Neuquén, presentó una amplia muestra de pinturas de Ricardo Laham reuniendo obras correspondientes al período de la abstracción geométrica. La muestra que ahora exhibe Galería Jacques Martínez corresponde al mismo período y es más reducida en cuanto al número de obras pero incluye varias de las que fueron expuestas en Neuquén y otras pinturas clave que fueran expuestas en la Galería Carmen Waugh en 1977.
En el texto que escribió Raúl Santana para la muestra del Museo NacionaL de Bellas Artes de Neuquén, dice: “…Es posible afirmar que en aquella etapa el artista se había instalado en una posición casi mística con respecto a la concepción de sus obras, que aparecían como el magnífico resultado de una ascética y concentrada meditación; incontaminadas, éstas se erguían como verdaderas epifanías cuya pureza hacía pensar en la perfección de los arquetipos…”
Esperamos que esta nueva exposición de las pinturas de Laham sea una pequeña contribución para dar más visibilidad a uno de los artistas que, tal vez por las circunstancias vividas durante la época en las que les tocó trabajar, cuando fueron amortiguados, reducidos, o cerrados los grandes centros de convocatoria, actividad y difusión que provocaban, promovían, o protegían las artes en nuestro país durante la década anterior, siguieron sus caminos solitarios y hoy permanecen en una suerte de remanso de la historia que se ha comenzado a dilucidar.

Tensiones y Relaciones en las Geometrías de Laham
Por Raúl Santana
El camino desarrollado por Ricardo Laham se ha caracterizado por la constante puesta en obra de un gran rigor en la concepción y elaboración de sus cuadros. No obstante la heterogeneidad de sus planteos -que por momentos hace difícil seguir el hilo conductor-; ya sea en la movilización de una extremada racionalidad donde la pintura se presenta como su propio acontecer, sea en la etapa donde ésta da paso a referencias prehispánicas en la organización simbólica del plano, o en la plena representación del mundo americano con solvente actitud figurativa, es fácil advertir que sus obras manifiestan la misma carga de intensidad, más allá de diferencias formales y conceptuales. Dada la comprometida actitud que siempre presidió el arte de Laham, es obvio que cada etapa de su producción ha respondido a profundas necesidades íntimas, aquellas que traman su secreta autobiografía en ese lugar imponderable donde lo contradictorio o lo paradójico encuentran su coherencia. Al respecto no puedo dejar de recordar aquella frase del pensador francés Maurice Merleau-Ponty, que cito de memoria: “Ningún pintor está obligado a entenderse a sí mismo”.
La muestra que hoy se presenta cubre específicamente aquella etapa que va desde fines de la década del 60 hasta casi mediados de la del 80, momentos en los que el artista desplegó una abstracción geométrica que abandonó casi completamente como un capítulo cerrado en sí mismo. Sin duda es éste el motivo por el que aquel período de gran originalidad en el rico panorama de las abstracciones de nuestro medio pasó casi desapercibido, no obstante haber encontrado resonancias en un considerable número de interlocutores. Es posible afirmar que en aquella etapa el artista se había instalado en una posición casi mística con respecto a la concepción de sus obras, que aparecían como el magnífico resultado de una ascética y concentrada meditación; incontaminadas, éstas se erguían como verdaderas epifanías cuya pureza hacía pensar en la perfección de los arquetipos.
Para abordar el arte de Laham debemos indagar aquellos momentos previos a su primera etapa (1968-1984), que comenzaron a configurar en el artista el terreno propicio para su génesis. A mediados de la década del 50, poco tiempo después de asistir por un año a la Escuela Nacional de Bellas Artes “Manuel Belgrano”, conflictuado por no encontrar lo que buscaba, empieza a trabajar en el taller de Emilio Pettoruti –cabe aclarar que el maestro, que ya residía en París, no impartía la enseñanza, que estaba a cargo de su discípulo Alejandro Vainstein y de la hijastra de Pettoruti, Mónica Soler Vicens–. Después de varios años de asistencia, a los 22 años Laham decide abandonarlo para emprender su primer viaje a Francia, con la entusiasta expectativa de conocer el gran mundo de la pintura. Mónica Soler Vicens habló con Pettoruti para que recibiera y orientara a este joven, cuyas condiciones de pintor ya despuntaban. En París Pettoruti pasó a ser como un mentor que dirigió fuertemente los pasos de Laham, no solo con sus conversaciones, sino con las precisas indicaciones de ver a tal o cual artista. La correspondencia con él muestra con qué ternura y paternal solicitud se ocupó Pettoruti de orientar sus pasos en Italia y Francia por los intrincados caminos del arte. Dada la legendaria severidad del maestro, es fácil inferir que distinguió al joven artista al percibir su asumida vocación y su incipiente talento. En lo formal, no hay marcas definidas de su influencia. Pero Laham asumió de Pettoruti ese espíritu general que se impone en su obra: la tendencia bien definida hacia la simplicidad de los medios expresivos y la idea de construcción clara y sólida hacia la pureza autónoma de las formas, que acentúan la significación abstracta de líneas, masas y colores.



Al poco tiempo de su regreso de Europa y por intermedio de Víctor Magariños, solitario y gran artista, Laham se vinculó a Ignacio Pirovano, coleccionista, sutil conocedor del arte contemporáneo y gran animador en la década del 40 de la abstracción concreta en nuestro medio. La amistad de Pirovano con Georges Vantongerloo –el destacado artista belga, que junto con Mondrian y otros integró el grupo De Stijl en la segunda década del siglo XX – fue decisiva para difundir en nuestro medio sus ideas estéticas. En 1965 Pirovano pronunció una elocuente conferencia sobre el artista en el Museo Nacional de Bellas Artes que algunos años después sería el prólogo del magnífico libro Escritos, de Vantongerloo, publicado por la Fundación Pirovano. El libro cerraba con un enjundioso estudio de Víctor Magariños, quien por las coincidencias con el pensamiento del artista belga, se transformó en el continuador en nuestro medio del camino de un “arte cosmológico” teorizado por aquél. No tengo dudas de que Laham, que ya mantenía puntuales y amistosas conversaciones con Magariños, habrá absorbido muchas premisas del “arte cosmológico”; aunque debo advertir que, más que formal, la influencia de Magariños fue principalmente ética.
Por entonces, también gravitaban fuertemente en Laham los conceptos del “universalismo constructivo” de Torres García; sobre todo la idea de fusión de la abstracción constructiva con las geometrías y esquematismos de las representaciones simbólicas prehispánicas. Basta observar las obras de la primera muestra de Laham (1968) para encontrar la búsqueda de aquella fusión planteada por el maestro uruguayo. Es más, frente a su muestra, Magariños le dijo: “Tenés que viajar a Bolivia y a Perú”, cuando Laham ya tenía los pasajes porque había decidido emprender el viaje. En conversaciones domésticas el joven artista siempre manifestó la importancia que tuvo para su desarrollo aquel primer viaje al mundo andino, al que consideró tan importante como el que hizo a Europa. Fueron sobre todo las arquitecturas de Tiahuanaco y Machu Pichu las que marcaron no solo las obras de aquellos primeros años sino del posterior desarrollo de la etapa geométrica, aunque en esta última desaparecieron gradualmente los planos/relieves sobre el plano que, como rastros, venían a sustituir elementos de la remota América.
En 1969, con el decidido apoyo del crítico Aldo Pellegrini, Laham gana el premio Georges Braque, una beca para residir un año trabajando en París, otorgado por el gobierno de Francia. Hacia allá parte por segunda vez y permanecerá hasta 1970. Más definida su vocación, trabaja intensamente en el taller que le asignaba la beca y recorre con puntual interés a artistas con estéticas afines. Es indudable que estas vivencias producen cambios significativos en los nuevos planteos que, ya de vuelta
en casa, comienzan a aparecer.
En 1973 Laham recibe el premio Marcelo de Ridder, consagratorio entonces de los jóvenes emergentes. La obra que obtiene tal distinción ya pertenece a lo que sería el segundo momento de su etapa geométrica. Estas pinturas multiplican obsesivamente, con mínimas unidades ópticas y predominancia de los colores primarios, impecables geometrías: franjas que se desplazan de arriba a abajo; o a la inversa, aparecen con la fuerza de emblemas o mandalas rectos. La introducción de diagonales entre las predominantes verticales y horizontales genera una inquietante ambigüedad óptica que, a su vez, a pesar de la forma ortogonal nítida y rotunda, crea dinámicos espacios virtuales, incitando a un constante recorrido para poder capturar lo que aparece como un enigma. En la primera monografía sobre Laham escrita por Rafael Squirru, que integró el volumen Pintura- Pintura. Siete valores argentinos en el arte actual, el crítico acerca una solvente reflexión sobre el enigma planteado: “El espacio invasor queda interrumpido en segmentos de color que acompañan el color de la banda circundante y las bandas, a su vez, alcanzan el límite de la tela a través de prolongaciones texturales que acompañan con color al espacio invasor, esto es, el color se hace espacio y el espacio se hace color”. Estas palabras sintetizan con claridad una de las operaciones de la enigmática oscilación entre planimetría y virtualidad de aquellas obras.
Pero al cabo de unos años la utilización del color y la relativa inmovilidad de aquellas obras darán paso al último tramo de la etapa geométrica. Ahora, tal vez suscribiendo a aquella sentencia del artista abstracto Adolf Hoelzel: “En el arte lo no absoluto puede dañar al arte”, con una total radicalización de sus propuestas Laham reduce su paleta al blanco y negro, produciendo la dialéctica más poderosa y elemental, puesto que el blanco es la suma de los colores y el negro, su rechazo. Pero esta actitud es apenas una de las operaciones desplegadas por el artista en sus nuevas geometrías, que traman con líneas o franjas, a veces con relieves, un deslumbrante juego entre formas ortogonales y triangulares. Frente a estas pinturas sería pertinente hablar del ingreso del tiempo, pues la dinámica que las anima, según el punto de vista del ojo, las pone en perpetuo movimiento. Las formas se cierran o se abren obligando a seguir el argumento del centro a los márgenes; o a la inversa, imponiendo un itinerario que después da paso a otro y así sucesivamente. En cada una de estas obras hasta la más mínima partícula de superficie está cumpliendo un rol que reactiva y cambia sin dejar de suscitar relaciones inéditas entre la forma y el espacio. La forma final casi siempre lanzará líneas o franjas de fuerza hacia los márgenes, como buscando una expansión mayor que la del plano que las contiene.
Frente a las singulares geometrías de Laham se percibe muy fácilmente la calidad que trasciende inmediatamente, por su impecable realización. Pero no se trata de un gratuito preciosismo, sino de una actitud que hace que la figura se manifieste como si ninguna mediación humana hubiera existido, puesto que el artista se entrega a la organización de una lógica interna para hacer inteligibles las formas más puras, que al cabo se hacen visibles como verdaderas epifanías.
Si como tantas veces se ha dicho “la pintura celebra el enigma de la visión”, las geometrías de Ricardo Laham, con sus meditadas perfecciones, logradas con los más “pobres” y mínimos medios, aparecen como un superlativo de aquella aseveración. En 1984, el artista tal vez sintió que se encontraba en un camino cerrado, porque no hay un más allá de aquellas perfecciones. Entró en un inexplicable silencio de varios años para iniciar, al cabo, otros capítulos, en los que retoma su singular visualización del mundo prehispánico para abordar al fin, con solvente figuración, la actualidad del mundo americano.

Ricardo Laham
Del 30 de mayo al 6 de julio de 2012
Entrada: Libre y Gratuita

Galería Jacques Martínez
Av. de Mayo 1130, 4to G
Buenos Aires, Argentina
Horario: lunes a viernes de 11:30 a 20hs
Informes: 4381-7458
Entrada Gratuita
www.galeriajacquesmartinez.com

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Inès White . "Transparencias"- Pinturas.

"Encontrar el camino hacia un mundo sin objetos. Liberarse de la ley de gravedad, en donde las formas se elevan desmaterializadas en un espacio libre, con la voluntad de trascender"
Malevich.

"Nombrar un objeto es eliminar las tres cuartas partes del placer del poema, el ensueño consiste en sugerirlo"
Mallarme.

Inés White
Transparencias
05/06/2012 - 11/07/2012
DAIN | Usina Cultural
Nicaragua 4899
Inauguración: martes 5 de junio a las 19 hs.

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La Rural presentó la cuarta edición de Impulsarte.

La Rural, Predio Ferial de Buenos Aires, fue protagonista en una nueva edición de arteBA donde afianzó su compromiso con el arte presentando Impulsarte, programa de Estímulo al Arte Contemporáneo que por cuarto año consecutivo promueve a nuevos talentos del ámbito local.
En un atractivo stand dentro de la exposición, La Rural exhibe obras que ha adquirido desde que comenzó con esta iniciativa en arteBA`09. La gran novedad de este año fue la presentación del catálogo que se elaboró con el objetivo de comunicar a los visitantes de la muestra sobre las distintas obras que conforman la colección Impulsarte, y de esta manera, dar a conocer la labor de la compañía en materia de estímulo a la producción artística, concientizando a la sociedad sobre la importancia del arte como un acto comunicativo y medio de expresión válido para cualquier individuo.
Este año se incorporaron 14 nuevas obras a la colección de la compañía. Luego de una cuidadosa selección, en manos de un comité especializado conformado por las curadoras Victoria Verlichak, Eva Grinstein y Juan Pablo Maglier, Director de Relaciones Institucionales de La Rural, se adquirieron obras de arte de los artistas Adriana Minoliti, Zoe Di Rienzo, Luque Di Pasquale y Leila Tschopp, entre otros. Las producciones son de técnicas diversas, entre las que se destacan tinta, lápiz, acrílico, acuarela sobre papel, papel escrito a máquina y collage sobre espejo.

Acerca de La Rural y su Plan de RSE
La Rural se define a sí misma no sólo como el centro líder en exhibiciones y eventos de la región, sino también como una compañía con un fuerte compromiso social con la comunidad que la rodea, el medioambiente y el desarrollo humano de su entorno. En ese sentido, la compañía cuenta con un Plan de Responsabilidad Social Empresaria que comprende programas de compromiso social vinculados a la educación, la cultura y el cuidado del medio ambiente.
Éste y el resto de los programas que conforman el Plan están expresados en el Reporte de Sustentabilidad presentado por la compañía en 2011 bajo los lineamientos GRI (Global Reporting Initiative).

Fuente: Juan Muchnik. Prensa la Rural

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Roberto Cubillas muestra "El gato con bote".

Los gatos venusinos avanzan de Roberto Cubillas, es una serie de imágenes digitales impresas en ediciones limitadas sobre papel de algodón. En obras individuales aunque conectadas entre sí Cubillas narra la curiosa historia de unos gatos extraterrestres que se lanzan al espacio a la búsqueda de piedritas sanitarias. En su derrotero por la galaxia llegan a nuestro planeta donde por supuesto encontraran la resistencia adecuada para crear una fascinante historia. La narración sirve a Cubillas para formar escenas donde el color, las formas geométricas, el movimiento y los caracteres conforman piezas visuales de extraña belleza. A caballo entre el cuento para niños y la composición constructivista, Cubillas reúne en ambas su pasión por el arte y la literatura infantil.

Cubillas nació en Buenos Aires donde trabaja actualmente. Estudió historieta, dibujo, grabado y pintura. Entre sus exposiciones se cuentan: Un par de cuentos, Centro Cultural Recoleta, 2003; Magic Pencil, (organizada por el British Council en Centro Cultural Borges, 2004; La muestra ambulante 4, organizada por La grieta, 2007; Fuga Gráfica, Fundación Gutenberg, 2009; Sweet for my sweet, Galería Mar Dulce, 2010. Pequeños bichos enojados, Galería Mar Dulce, 2011. Desde 1996 se dedica a la ilustración de libros de literatura infantil. Realiza proyectos y colaboraciones junto a autores como Alberto Pez, Laura Devetach, Silvia Schujer, Griselda Gambaro, Beatriz Ferro, Dani The O y Gustavo Roldán, entre otros.

Roberto Cubillas
10/05/2012 - 10/06/2012
EL GATO CON BOTE | Galería de Ilustradores
Gurruchaga 1830
Buenos Aires
Argentina.

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Presentan en Teatro "Las Bodas de Rosita" de Federico Garcìa Lorca

/El Arte al Dìa/
Las Bodas de Rosita, de Federico García Lorca, en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón .
Viernes 18 de Mayo de 2012 15:53 .Las bodas de Rosita con la Compagnie du Midi, así como con la actuación de alumnos del Centro Universitario de Teatro (CUT), bajo la dirección de Antoine Chalard, basada en Doña Rosita la soltera de Federico García Lorca, tendrá una temporada del 19 de mayo al 3 de junio, en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000). Funciones: sábados y domingos/11:00 y 13:30 horas. Admisión de $80.00 con descuento del 50% a estudiantes, maestros, UNAM, INAPAM, y jubilados del ISSSTE e IMSS con credencial vigente.
Está obra del escritor español Federico García Lorca forma parte de las comedias populares y familiares, tan graciosas como poéticas. La Cie Du Midi, nos brindará un espectáculo alegre donde el ingenio de la maquinaria del teatro de caballetes, la música y los cantos son fundamentales.
Las bodas de Rosita es un espectáculo colorido apto para todo público, a través de las marionetas, máscaras, música y canto, los actores nos involucrarán durante una hora en uno de los textos dramáticos del siglo XX, y con elementos escenográficos se hará una recreación del pueblo de Andalucía.
La historia narra que Rosita está enamorada de Cocoliche que también la quiere. Pero el padre de Rosita la tiene destinada al rico y malo Don Cristóbal. Y encontramos también el pretencioso Paquito, convencido de que sabrá conquistar de nuevo a Rosita, su amor de infancia…
Entre los golpes de porra de don Cristóbal, las bromas de Fígaro el peluquero, los sueños premonitorios de Cocoliche y los bailes hispánicos, nuestros enamorados necesitarán mucho ánimo para vivir llenamente su amor y descubrir que Don Cristóbal era solamente una marioneta monstruosa…
El elenco artístico lo integran: Antoine Chalard, Florent Malburet, Elena González Reyes, Karen Daneida, Reiner López, Angel T. Roman
El equipo técnico lo conforman: director técnico, Omar Sánchez; creación musical, Germain Deborert; marionetas y máscaras, Galina Molotova y Vladimir Cantor; creación de la luz: Aurelien Amsellem; decorado, Franck Vallet; vestuarios, Sophie Thïs y Celine Gueroult; cartel, Patrice Leroy Mireille Leroy.
Las bodas de Rosita con la Compagnie du Midi, y con alumnos del Centro Universitario de Teatro (CUT), bajo la dirección de Antoine Chalard de Federico García Lorca, a partir del 19 de mayo, en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000). Con funciones: sábados y domingos/11:00 y 13:30 horas. Admisión de $80.00 con descuento del 50% a estudiantes, maestros, UNAM, INAPAM, y jubilados del ISSSTE e IMSS con credencial vigente.

Las Bodas de Rosita
Del 19 de mayo al 3 de junio de 2012
Funciones: sábados y domingos/11:00 y 13:30 horas.
Teatro Juan Ruiz de Alarcón
Centro Cultural Universitario
Insurgentes Sur 3000
México

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Pilar Vigil Exposiciòn "Resignificaciones" Pinturas.

La curaduría que presentamos parte de la rica y compleja identidad de Pilar Vigil -o Larpi Gilvi, como ella prefiere llamarse-. Hija de madre peruana y padre español, ambos lados del Atlántico la constituyen. Llega a Buenos Aires con un bagaje de historias y testimonios que trasfiere con absoluta libertad a su narrativa visual.
Su padre Pepe viajaba por las tierras americanas tras los duros tiempos de la guerra civil española y es en Perú donde conoce a “La Colorada Panocha”, su madre. La infancia sumida en la pobreza y el temprano padecimiento de una larga enfermedad de ésta, serán incorporados luego en la obra de la futura artista. En 1961, en Lima, nace Pilar y al poco tiempo la familia se instala en Barcelona luego del ascenso al poder de Velasco Alvarado. Su proclama “¡Perú para los peruanos!” coincide con los deseos del padre de volver a su España natal después de veinte años de ausencia. Allí Pilar pasa la mayor parte de su vida repartiendo su tiempo entre la enseñanza de historia del arte y la colaboración periodística en diversas publicaciones. En 1985 se inicia de forma autodidacta en la práctica artística, recibiendo la influencia de dos grandes artistas catalanes, Antoni Tapiès y Joan Brossa, en cuyas obras encuentra la potencialidad de la materia y el encuadre conceptual de la obra. A fines de los 80 se muda a Buenos Aires y comienza a producir obra que, a través de la revisión de sus raíces, resignifica su identidad.
Su práctica artística podría definirse como una búsqueda permanente, una fuente inagotable de energía cuyo punto de partida son las anécdotas que sus padres le contaron en su infancia. A partir del juego, como una niña, Pilar se divierte tejiendo, bordando, dibujando, pegando y recortando materiales que remiten a episodios autobiográficos. De este modo, estas prácticas se vuelven obra y logran autonomía estética.
Técnica, materiales y lenguajes adoptan en su obra posibilidades ilimitadas. Por su parte, los colores que emplea tienen una carga semántica particular. Los materiales recogidos en la calle, presentes en sus assamblages, expresan la pobreza que su madre pasó de niña en Perú; las bolsas de café de arpillera, encontradas en bares barceloneses, abrigan las historias de un padre que en muchas ocasiones pasó frío; por su parte, el estilo pop presente en algunos retratos de familia, le permite relatar la condición de migrantes vivida en los Estados Unidos; finalmente, en cuanto a lo cromático, la presencia del amarillo remite a la enfermedad, mientras que el rojo nos recuerda a “La Colorada Panocha”.
Más allá de estas operaciones técnicas o estilísticas, el aspecto lúdico, humorístico e irónico está constantemente presente en su trabajo. Esto le posibilita tratar temáticas que, observadas en profundidad, resultan ser densas, profundas y dolorosas. La muerte acechante, la enfermedad y la pobreza en la niñez son ejes que recién en su práctica artística más reciente adoptan un lenguaje de mayor severidad. Ejemplo de esto son las series “Pelotas de trapo” y “La enfermedad surrealista”.
Mediante la producción de una obra permeable tanto a sus raíces biográficas, ideológicas y culturales, como a la aportación de lenguajes contemporáneos, Pilar trabaja sobre su identidad. Ésta no es determinada de una forma estática, sino que le sirve para ahondar en sí misma y permitirse constantes resemantizaciones; a partir de este proceso, tanto las experiencias vividas como la materia que utiliza en sus piezas, son transformadas generando nuevas mixturas que acentúan el cambio, interminablemente.
Curaduría: Renata Zas y Natasha Slotopolsky

CV / Presentación de la Artista

Sobre Pilar Vigil
(Lima, Perú, 1961) Artista plástica, escritora, conservadora-restauradora. Licenciada en Letras, UAB, Barcelona, 1984.
Expone de forma individual en Buenos Aires: Galería Altos de Sarmiento (1990), Galería Van Riel (1997, 1999), Casal de Catalunya (2000) y en Barcelona: Sala Almirall (1992, 2004 - 5), “Caribean” (Bar de arte, 2005), Centre Civic del Berdoc (2002), Instituto Universitario ESEADE (2009) y Museo Español E. Larreta (2011).
Comparte muestras con A. Fridman (Liber Arte, 1991; y en espacio “Arte y conservación”, Gallery Nights en Palermo, 2008), con M.S. Corcuera y L. Grosclaude (Museo de Arte Español E. Larreta, 1998), con A. Caseiro e I. Jacob (Van Riel, 2002).
Participa en concursos y colectivas en Salón de Pintura Fundación Nuevo Mundo (1992); Salón de pintura Fortabat (1995); Salón de Escultura Manuel Belgrano (1995); Colectiva de artistas en Galería Arte X Arte (1999); Galería Van Riel (1999, 2002, 2008); Galería Álvaro Castagnino (2001, 2002); Museo de los Niños del Abasto en Bs. As. y Rosario (2001-2007); Centro Cultural Recoleta (2001), Salón Nacional de Artes Visuales, sección escultura (2001) y textil (2001, 2007); Feria Arte BA (Van Riel, 2002, 2007); Sala Almirall (2003); Galería Caja de Arte 1/1 (2004, 2005); Galería Crimson (2005); XX Salón de Tapiz, Bienal 2006-2007, Museo E. Sivori, etc.
Obtiene menciones en el Salón Nacional, sección textil (2001) y en el Salón de Pintura Maimeri (2001). En 2005 el Fondo Cultura del GCABA le otorga un subsidio para el desarrollo de una obra multimedia, Historia de la Colorada Panocha.
Su obra figura en colecciones privadas de Buenos Aires, Bariloche, Barcelona, Paris, San Francisco y Boston.

Agradecimientos: Ariel Fridman, Agustina Punte, Gabriela Faingold, Martin Graschinsky y Javier Zas

Pilar Vigil
Resignificaciones
07/06/2012 - 29/06/2012
FUNDACIÓN STANDARD BANK | Espacio de arte
Riobamba 1276
Inauguración: jueves 7 de junio a las 19 hs.
Horario: de lunes a viernes de 10 a 20 hs.

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Exposiciòn del Artista Jorge Luis De Lorenzo

Queridos amigos, los espero para compartir una copa y mis últimos trabajos

JORGE LUIS DE LORENZO.

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Martín Palermo deja su huella en un obra de arte colectiva y solidaria.

Convocado por Fundación Proa y Fundación S.O.S. Infantil, el futbolista Martín Palermo dejó registro de su pisada y construyó, junto al artista visual Guillermo Conte, una obra que será exhibida en el stand de Proa en la feria arteBA, en La Rural de Palermo.

La exhibición de la tela con los pies del goleador enmarca una acción colectiva artística y solidaria para grandes y chicos organizada por Proa para su stand de arteBA: una "cueva de las manos" en la que todos pueden dejar estampadas sus huellas, y colaborar con S.O.S. Infantil, a la que por cada registro, Proa hará una donación.

La obra realizada por Palermo -padrino de S.O.S Infantil- será subastada a beneficio de la fundación en una cena especial que se realizará el lunes 4 de junio en el Hotel Sheraton de Buenos Aires.

Una oportunidad para participar y ayudar creando. Los pies de Palermo y todas nuestras manos junto al arte y la solidaridad.
La Fundación S.O.S. Infantil es una asociación civil sin fines de lucro dedicada a promover los derechos de niños, niñas y adolescentes de escasos recursos del barrio de La Boca.

Fundación S.O.S. Infantil: www.sosinfantil.org.ar
Fundación Proa: www.proa.org

Proa en arteBA: stand G62
18 al 22 de mayo de 2012
La Rural

Fundación PROA
Av. Pedro de Mendoza 1929
La Boca, Caminito
[C1169AAD] Buenos Aires
Argentina
T [54.11] 4104.1000
Más información: www.proa.org/esp/

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ArteBA 2012 rinde homenaje a Julio Le Parc.

/El Arte AL Dìa/


Julio Le Parc será homenajeado el viernes 18 de mayo a las 13.00, en el Espacio de Aeropuertos Argentina 2000 de ArteBA 2012. Se exhibirán dos de sus más espectaculares obras cinéticas, Continuel Mobile NT y Lames réfléchissantes.

La muestra será inaugurada por el propio artista en el stand H77 del pabellón azul del Predio La Rural, en Palermo.

El lunes 21 de mayo a las 13.30, Le Parc participará del ciclo Art Conversation en el auditorio de ArteBA dónde la periodista Alicia de Arteaga mantendrá una conversación con el artista y el público podrá participar de la charla abierta.

Con esta muestra del artista argentino de mayor prestigio en el exterior, AA2000, a través del su programa EspacioArte, participa por tercer año consecutivo en ArteBA rindiendo homenaje a grandes artistas con reconocimiento internacional, tanto por su trayectoria artística como por su influencia social y cultural. En ediciones anteriores, los homenajeados fueron Kenneth Kemble y Marta Minujín.

A los 84 años y a más de medio siglo de haber representado al país en la Bienal de Venecia, donde obtuvo el Gran Premio Internacional de Pintura, Le Parc sigue tan creativo como en su juventud. En estos momentos prepara una exposición monográfica para exhibirla en el nuevo y renovado Palais de Tokyo, en París, y tiene previsto realizar en el Grand Palais, de esa ciudad, una muestra sobre el cinetismo titulada Lumineux Dynamique,

Otras actividades de AA2000 en arteBA

Asimismo, el viernes 18 de mayo, a las 20, en el auditorio de ArteBA, AA2000 presentará dos libros del prestigioso artista Kenneth Kemble. Entre el pincel y la Underwood. Kenneth Kemble, crítico de Arte del Buenos Aires Herald, editado por Florencia Battiti; y Escritos Kenneth Kemble. Prólogos, artículos, entrevistas 1961-1998, editado por Justo Pastor Mellado.

Durante el transcurso de la Feria, AA2000 también entregará 2 becas a estudiantes de la carrera de Bellas Artes del Instituto Superior Santa Ana. Con el objetivo de fomentar el arte en los más jóvenes, la compañía elegirá a los 2 alumnos que se hayan destacado en los últimos años en sus actividades artísticas y los premiará con becas y materiales de estudio.

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Magdalena Postigo, Pinturas, Esculturas y Micelàneos

La muestra es un recorte antológico que trata de resaltar el pensamiento visual de esta prolífica artista, de un fuerte sentido constructivo y espacial, mientras atraviesa varios momentos de su producción que definen vetas de las cuales puede entrar y salir en la actualidad, con una evidente gravitación hacia la abstracción. Su pensamiento geométrico e impulso meándrico se subsumen entre sí y emergen una y otra vez, en diversas instancias.

Así, podremos apreciar una temprana filiación figurativa de cierto aire Spilimberguiano en la idealización de sus personajes, en esculturas de niños que datan de fines de los ’70, y que se re-versionan aquí con un sentido ambiental que se entronca en un profundo sentido geométrico además de su indeclinable poética de celebración. De esa veta tenemos una reproducción reducida en resina poliéster de un grupo escultural cuyo original realizado en granito reconstituido se encuentra emplazado en el parquecito posterior del hospital de niños y una figura individual en serie de dos, que prescinden de pedestales tradicionales para mostrarse en ecuaciones que rondan la instalación, reforzando el aura de su ficcionalización y aplicando nuevas resoluciones para su puesta en el espacio.

Esa misma capacidad de declinación abstractizante se manifiesta a su vez en acrílicos de formas y colores vibrantes, mas o menos planimétricos que exploran y subjetivan aspectos de la iconografía americanista regional -- insistentemente plegarias de fertilidad: lloronas y serpientes--, de un corpus de obras realizadas durante más de una década a partir de los 90, que se despliegan en canon junto a dos pinturas monocromáticas de abstracción netamente geométrica mas no despojadas de la fuerza orgánica que la identifica. Estas pinturas sobre papel montado en chapadur, fueron consecuencia de ejercicios que realizó junto a Ernesto Dumit diez años antes, con quien a su vez afirmará su impronta muralista e inclinación por los grandes tamaños. Magdalena Postigo participó de numerosos encuentros de muralistas en el país y en Chile.

De su obra más reciente tenemos dos esculturas en chapa cortada, basadas en dos de numerosos pequeños bocetos tridimensionales y pictóricos que construye en los entretantos de la rutina diaria con cartones de descarte en un ejercicio constante que ella llama “Rescates”, y que dan cuenta nuevamente de su pensamiento analítico espacial conducido por un espontáneo lirismo.

Magdalena Postigo fue discípula de Timoteo Navarro y del dibujante Aurelio Salas en su juventud, retomando su entrenamiento artístico mucho tiempo después cuando Ezequiel Linares dirigía los talleres del Departamento de Artes. Ha participado en numerosas exhibiciones colectivas e individuales en el país y el exterior. Es Licenciada en Pintura y Escultura por la UNT y se retiró como Profesora Adjunta del Taller B de esa misma casa de estudios en 1997. Vive y trabaja entre San Miguel de Tucumán y Buenos Aires.

Magdalena Postigo
Un incandescente hacer | Recorte antológico de obra
| Pinturas, esculturas y misceláneos
17/05/2012 - 24/06/2012
MPTN | Museo Provincial Timoteo Navarro
9 de Julio 36, San Miguel de Tucumán, Tucumán
Sala Spilimbergo
Curaduría: Graciela Ovejero Postigo
Catálogo y producción: Peras de Olmo – Ars Continua

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